TEATRO GRIEGO
En Grecia nació el teatro entendido como «arte dramático». El teatro griego evolucionó de antiguos rituales religiosos; al ritual se le añadió la palabra, surgiendo la tragedia. A la vez, el público pasó de participar en el rito a ser un observador de la tragedia, la cual tenía un componente educativo, de transmisión de valores y a la vez que de purificación de los sentimientos (catarsis). Más adelante surgió la comedia, con un primer componente de sátira y crítica política y social, derivando más tarde a temas costumbristas.
Los principales dramaturgos griegos fueron:
Esquilo: el creador de la tragedia.
Sófocles: el dolor y la soledad del ser humano.
Eurípides: el filósofo de la escena.
Aristófanes (comedia): utopía y realidad.
Para los antiguos griegos, la base de la religión se encuentra en el ritual.
Pero las fiestas más célebres, fueron las Grandes Dionisíacas, en honor a Dionisio. Dios de la vendimia y del vino, inspirador de la locura ritual y del éxtasis. Fue también conocido como Baco, Patrón del teatro y de la agricultura. La procesión de una estatua de Dionisio recorría las calles de la ciudad.
Dionisio
Durante el siglo V a.c concurrían al certamen de tragedias tres autores, cada uno de los cuales presentaba cuatro piezas, tres tragedias y un drama satírico de acuerdo con el siguiente calendario y programa: el día previo se dedicaba a ultimar los preparativos y los autores hacían la presentación de sus obras en compañía de sus actores. El día siguiente se iniciaba con la procesión y traslado de la estatua del dios Dionisio. Finalizaban en el altar que se hallaba en el centro del propio teatro, donde tenía lugar el concurso de ditirambos (cánticos solemnes que se cantaban en los festivales); el segundo día se representaban cinco comedias; y cada uno de los tres días siguientes se escenificaba tres tragedias y un drama satírico. De este modo, durante los seis días de fiesta de las Grandes Dionisíacas se ponían en escena un total de diecisiete obras, además de los cantos ditirámbicos del primer día.
En cuanto a la comedia, la organización era distinta. Cada autor presentaba a concurso una sola obra en cada festival.
El vestuario
El vestuario de una representación griega está compuesta por:
• Máscaras: los actores griegos utilizaban las máscaras o, en su defecto, ocultaban su rostro con barro o azafrán. El ocultar la cara simboliza el vestirse con elementos nuevos y no comunes, necesarios para realizar el ritual.
Más tarde, cuando el teatro fue teatro y no un acto religioso, la máscara era aquel elemento que transformaba al actor en personaje, había máscaras de viejos, de jóvenes, mujeres, etc. Con el tiempo, los artesanos consiguieron verdadero realismo en las caretas.
Además la máscara poseía unas enormes dimensiones para que fuera mucho más visible al público y para, junto con los coturnos, guardar la proporción entre las diferentes filas de asientos. Por otra parte, las máscaras podían servir de "megáfono" aumentando la voz del actor. Y por último, permitía al actor interpretar varios personajes.
Tragedia y la comedia
• Los coturnos: son una especie de zapatos de madera con alza que servían para
dar altura al actor. Conseguían que los personajes nobles destacasen sobre el
coro y dar proporción al actor con la gran máscara. Así el actor era enorme,
con lo que el público podía verlo con facilidad. Generalmente solo eran usados
en la tragedia.
Coturnos
• Ropas: por lo general, los trajes usados eran
túnicas, cortas o medias y mantos. Según los colores de las ropas el personaje
tenía más o menos importancia, así, los colores oscuros eran para los
personajes tristes, los alegres para los importantes o los colores normales
para la gente del pueblo. Además podían usar otros elementos como corona en el
caso de los reyes.
Coro
El coro en la tragedia griega actuaba como intermediario. Los coros se involucraban en la acción, sus cantos eran importantes y explicaban a menudo el significado de los acontecimientos que precedían a la acción.
El coro normalmente iba vestido de negro, se encontraba junto a la orquesta y acompañaba a la escena. Pero no todos los días, solo cuando el público pagaba.
Existían localidades fijas en las filas destinadas a los magistrados de la ciudad, a los sacerdotes de Dionisio y a aquellos ciudadanos que habían contribuido de forma especial al bienestar público, los cuales recibían como reconocimiento de la ciudad este derecho a ocupar uno de los asientos preferentes. Los hijos de los caídos en la guerra y los embajadores de otros estados recibían el mismo privilegio. El resto estaba distribuido por tribus, de forma que cada una de ellas tenía asignado un sector determinado.
Respecto a las mujeres, colectivo casi siempre marginado de las actividades principales en la sociedad griega, alguna cuestionan su presencia en el interior del recinto teatral y se ha llegado a suponer que asistían a los espectáculos desde fuera en los caminos que bordeaban la ladera sobre la que se ubicaba el teatro ateniense.
Se proponía la separación de sexos en el teatro e incluso una separación entre mujeres libres y cortesanas.
PARTES DEL TEATRO GRIEGO
El género teatral es de creación griega y el edificio que alberga el espectáculo también es una construcción típicamente griega. Todos los grandes teatros se construyeron a cielo abierto.
En un principio se utilizaba un espacio circular de tierra lisa y compacta denominado «orchestra» en cuyo centro se ubicaba un altar «thymile». Más tarde se construyeron edificios adyacentes de madera para que los actores se vistieran y gradas para el público aprovechando generalmente la ladera de una colina. Conforme la representación teatral se fue complicando el tamaño del altar fue disminuyendo hasta salir fuera de la «orchestra» que quedó reservada para el coro, se construyó un escenario elevado o «proskenion» donde los actores realizaban la representación, una «skené» o caseta para que los actores se cambiaran de máscaras e indumentaria y las gradas se construyeron de madera o de piedra.
«ORCHESTRA»
Del griego «orcheisthai», bailar.
Espacio circular o mayor de un semicírculo de tierra lisa y compacta, situado al aire libre, donde el coro bailaba y cantaba. Los miembros del coro entraban en la «orchestra» por unos pasillos denominados «parodoi» (plural de «párodos»).
«SKENÉ»
Zona de forma rectangular alargada y estrecha con el lado mayor de cara al público situada detrás de la «orchestra» y elevada tres metros por encima de la misma mediante una plataforma de tablas sostenida por una columnata.
En la parte posterior se ubicaba una construcción de madera que servía a la vez de decorado, de bastidores y de camerinos para los actores.
La parte anterior de la «skené» más cercana a los espectadores se denomina «proskenion» (delante de la escena) y era el lugar donde los actores realizaban la representación.
La «skené» podía adornarse con estatuas y columnas donde se fijaban los decorados («pinakes»). También podía disponer de complejos recursos escénicos como pantallas giratorias («periaktos») para cambiar de decorado, plataformas móviles («ekkyklema») para trasladar personas por la escena, grúas («theologheion») que bajaban dioses o personajes relacionados con el Olimpo y escaleras subterráneas por las que aparecían los dioses o héroes que procedían del Hades.
1. Koilon 2.
Diazomatos 3. Kerkis 4. Orchestra 5. Skené 6. Thymile
«KOILON»
«Koilon» o graderío significa «lugar desde donde se contempla».
Es el espacio de forma semicircular reservado para el público. Siempre se utilizaba la falda de una colina que se acondicionaba con asientos de madera o de piedra. El graderío se dividía en sectores («kerkís»). Para facilitar el paso del público existían uno o dos pasillos semicirculares («diazoma») y escaleras.
Bibliografía:
“Europa y la tragedia griega” de Bernard Zimmermann. Edit: Siglo XXI. 2012
"Esquilo. Tragedias". Edit: Losada, 1964.
"Sófocles. Antígona". Edit: Alba, 1998.
"Aristófanes, comedias". Edit: Bruguera,1984.
“Historia del teatro” Desde sus orígenes hasta el S XXI. Para principiantes.
Edit: Longseller, 2006.
«Koilon» o graderío significa «lugar desde donde se contempla».
Es el espacio de forma semicircular reservado para el público. Siempre se utilizaba la falda de una colina que se acondicionaba con asientos de madera o de piedra. El graderío se dividía en sectores («kerkís»). Para facilitar el paso del público existían uno o dos pasillos semicirculares («diazoma») y escaleras.
Bibliografía:
“Europa y la tragedia griega” de Bernard Zimmermann. Edit: Siglo XXI. 2012
"Esquilo. Tragedias". Edit: Losada, 1964.
"Sófocles. Antígona". Edit: Alba, 1998.
"Aristófanes, comedias". Edit: Bruguera,1984.
“Historia del teatro” Desde sus orígenes hasta el S XXI. Para principiantes.
Edit: Longseller, 2006.
TEATRO ISABELINO
El teatro isabelino S XVI- XVII (1558-1625) es una
denominación que se refiere a las obras dramáticas escritas e interpretadas
durante el reinado de Isabel I de Inglaterra (reina desde 1558 hasta 1603), y
se asocia tradicionalmente a la figura de William Shakespeare (1564-1616).
The Globe Theatre en Londres, Inglaterra.
.EL TEATRO
Estos teatros conservaron mucho de la antigua simplicidad medieval. Inspirado en su origen en los circos de la época para la lucha entre osos o perros o en las posadas, baratos establecimientos de provincias, el edificio teatral consistía en una construcción muy simple de madera o de piedra, a menudo circular y dotada de un amplio patio interno, cerrado todo alrededor pero sin techo. Tal patio se convirtió en la platea del teatro, mientras que las galerías derivaron de las balconadas internas de las posadas. Cuando la posada o el circo se convirtieron en teatro, poco o nada se cambió de la antigua construcción: las representaciones se llevaban a cabo en el patio, a la luz del sol.
El actor isabelino recitaba en el medio, no delante de la gente: de hecho, el escenario se "adentraba" en una platea que lo circundaba por tres lados (sólo la parte posterior se reservaba a los actores quedando a resguardo del edificio).
Entre la 2.ª y la 3.ª planta del escenario se solían situar los músicos. El aforo era entre 1.500 y 2.000 espectadores. No existían interrupciones entre acto y acto ya que era escasa la escenografía. El mobiliario y los objetos daban la ubicación de la acción (un trono era la corte, una mesa de taberna, una taberna, etc.).
Escenario
El escenario principal era simplemente una plataforma elevada en el centro de la sala. La pared posterior del escenario tenía dos o tres puertas con cortinas colgantes, y varias puertas trampa que permitían a los actores salir y entrar del escenario en puntos diferentes. La torre detrás del escenario tenía maquinaria que levantaba y bajaba a los actores y objetos para crear efectos especiales. Un toldo sobre el escenario estaba pintado de azul con estrellas para representar el cielo y para proteger a los actores de la intemperie. Se llevaban accesorios al escenario sólo para ayudar a la acción, y no volver a armar la escena. Armar la escena en el escenario seguía siendo la responsabilidad del narrador.
Trajes
Los trajes usados por las compañías de teatro isabelinas reflejaban la moda de la época. Los actores estaban vestidos con el estilo de sus contemporáneos reales, incluso cuando retrataban cuentos históricos. El personaje se vestía con piezas históricas o culturalmente apropiadas para demostrar el estereotipo del personaje.
Las compañías y los actores
Para construir un personaje humanamente cercano a la gente, no se consideraba necesario utilizar grandes vestuarios. Las compañías funcionaban sobre un sistema de repertorio. Raramente interpretaban la misma obra dos días seguidos.
Emplear a actrices estaba prohibido por la ley, y así se mantuvo durante el siglo XVII. Los personajes femeninos eran entonces representados por muchachos.
Era un teatro que funcionaba por compañías privadas y formadas por actores, que pagaban a los autores para interpretar su obra y a otros actores secundarios. Algunos alquilaban el teatro y otros eran propietarios del mismo. Cada compañía tenía un aristócrata, que era una especie de apoderado moral. Una compañía que no hubiese tenido un poderoso mecenas a sus espaldas podía encontrarse en una serie de dificultades y ver sus espectáculos cancelados de un día para otro.
A estos problemas se añade que, para los actores, el salario era muy bajo.
El Consejo Real tenía que dar el visto bueno a todas y cada una de las obras ya que existía la censura respecto a temas morales como el sexo, la maldad, las manifestaciones contra Dios, la Iglesia, etc
Shakespeare
Realizó tres cambios importantes:
Transformó el teatro medieval, que era esencialmente de representación y pantomima, en obra de arte literaria. Aisló la escena, para realizar la ilusión del público y concentró la acción tanto en el espacio como en el tiempo.
Espectadores
Este teatro resultaba un gran contenedor que fascinaba a todas las clases, haciendo así de "nivelador" social. A las representaciones acudían príncipes y campesinos, hombres, mujeres y niños, porque la entrada estaba al alcance de todos, si bien con precios distintos. . La plebe estaba en el pozo durante las actuaciones. Los privilegiados pagaban más por estar sentados en la galería. La galería se componía de varios niveles de asientos en un balcón. Había una torre detrás de la galería, que se utilizaba para el almacenamiento, y una torre detrás del escenario, que se utilizaba en el teatro. En la parte superior de cada torre había trompetas que anunciaban el comienzo del espectáculo.
Acudir al teatro era una costumbre muy arraigada en la época. Por esto todos los dramas debían satisfacer gustos diversos: los del soldado que deseaba ver guerra y duelos, la mujer que buscaba amor y sentimiento, la del abogado que se interesaba por la filosofía moral y el derecho, y así con todos. Incluso el lenguaje teatral refleja esta exigencia, enriqueciéndose con registros muy variados y adquiriendo gran flexibilidad de expresión.
Bibliografía:
“Teatro selecto” William Shakespeare. Edit: Espasa Libros. 2008
“Historia del teatro” Desde sus orígenes hasta el S XXI. Para principiantes.
Edit: Longseller. 2006
"William Shakespeare. Teatro I". Edit: Olimpia. 1995
"William Shakespeare. Clásicos de siempre". Edit: Edimat. 1998
